ARTISTASOEXPONENTES

Uno de los primeros trabajos de Stelarc lo encontramos en los ochenta con la tercera mano. Una prótesis de dos kilos desarrollada en colaboración con la universidad de Waseda en Yokohama, Japón. Una mano que pretendía ser una extensión del brazo derecho del artista.

Stelarc, cuando el cuerpo humano se queda obsoleto y necesita de la tecnología

EXTENSIÓN DEL CUERPO.

2 Einhorn, Unicorn, 1970

bleistiftmaske (pencil mask), rebecca horn, 1972

Cahun Claude autoritratto 1929

cindy sherman, estereotipos femeninos

Es conocida sobre todo por sus series de autorretratos conceptuales, Complete Untitled Film Stills (1977-1980), en los que escenifica situaciones con vestuario y utilería para dar a las fotografías la apariencia de un fotograma cinematográfico, usando estética y planos propios del Cine negro. En otra conocida serie "Retratos históricos", Sherman personifica protagonistas masculinos de pinturas clásicas de la historia del arte de Occidente, tales como "Baco enfermo" de Caravaggio, entre otros. Si bien Sherman aparece en las fotografías, ella no las considera propiamente autorretratos.

Sherman se usa a sí misma como un vehículo para comentar una variedad de temas del mundo moderno: el rol de la mujer, el rol del artista... Es a través de estas ambiguas y eclécticas fotografías que Sherman ha desarrollado una marca de estilo propia. A través de sus diferentes series de obras, Sherman ha generado preguntas desafiantes y significativas acerca del rol y la representación de la mujer en la sociedad, en los medios y sobre la naturaleza de la creación en el arte.

Indudablemente uno de los fotógrafos más relevantes de nuestro tiempo es Pedro Meyer; él ha desarrollado en alrededor de cincuenta años una obra fotográfica original a la que Raquel Tibol ha calificado como realismo crítico y satírico. Pedro Meyer ha sido un importante animador de la actividad fotográfica en México. Fue fundador del Consejo Mexicano de Fotografía y organizador de los tres primeros Coloquios Latinoamericanos de Fotografía (en 1978 y 1981, en México; en 1984, en Cuba). A lo largo de su vida ha sido un hombre con un espíritu profundamente crítico; quienes lo conocemos sabemos de su agudeza intelectual, cualidad que le ha llevado a plantear discusiones importantes sobre la fotografía y su sentido, tal como la ponencia “¿Para quién y para qué se fotografía?”, que presentara allá, en la década de 1980 en el TeCERr Coloquio Latinoamericano de Fotografía en la Habana, Cuba.
Como ha comentado Pedro Meyer,

En 2007 creó la Fundación Pedro Meyer –de la cual actualmente es director– para contribuir a la reflexión, interpretación, e investigación sobre el papel de la imagen dentro de las nuevas tecnologías.

The Emperor of Africa

Así es como a partir de los años 90 empieza a hacer autorretratos donde cuestiona la identidad africana, los efectos del colonialismo y los estereotipos tanto occidentales como africanos. En estos trabajos hay mucha ironía y ganas de causar incomodidad, pero a la vez también hay mucha solemnidad y un cuidado estético impecable que es la marca de Fosso desde aquellos primeros retratos adolescentes; nada es casual, nada falta ni sobra, el perfeccionismo es extremo. Uno de sus trabajos más conocidos es “Le rêve de mon grand-père”, fotografías en las cuales se viste con las ropas tradicionales Igbo como una reencarnación de su abuelo y un homenaje a sus raíces. Así Fosso nos habla también de la necesidad de trascender que hay en el autorretrato, del hombre pidiendo inmortalidad a través de la creación de imágenes… Nada nuevo bajo el sol.

From “The Emperor of Africa.” Self-portrait as Mao Zedong. 2013.Credit Samuel Fosso, Courtesy of Galerie Jean-Marc Patras, Paris

José Miguel Alvear Lalley (1998) - Miguel Alvear

“Esta obra la produje para una expo que organizó Alexis Moreano, Lupe Álvarez y Pepe Avilés en el Pobre Diablo, si no me equivoco 1998. La muestra se llamó A Dios rogando y con mi retrato andando. Invitaron a "fotógrafos" a trabajar auto retratos... En esa época discutíamos mucho acerca del uso limitado o estrecho del medio fotográfico, quiero decir que no veíamos en los fotógrafos locales intenciones de salirse del formato foto/papel/paspartú. A mi me gustaba la idea de, -era una manera de reírme del "oficio"-, que mi foto no la tome yo ni ningún fotógrafo pero una máquina operada por un burócrata que sólo tenía que preocuparse de que mi cara salga en el cuadro. Luego la idea de los tipos que asumo tiene que ver con, en ese entonces, el reconocimiento por parte del Estado de cuatro grupos raciales en el Ecuador: blanco, mestizo, indio y negro. Me preguntaba si uno se ubica en una de estas categorías o si el Estado te la asigna. Me preguntaba qué pensará un Waorani o un Zápara sobre estas categorías ya que sus nociones de raza o etnia son muy complejas y diversas y el Estado ecuatoriano termina metiendo a todo “lo indio” en el mismo saco racial.

Christian Boltanski (b. 1944)Post- War and Contemporary Art Day Saleby Christie'

Christian Boltanski (Paris, 1944), one of the great interpreters of contemporary life, displays his work for the first time in Turin with a new, site-specific project. The exhibit unfolds inside the Fondazione gallery spaces and is conceived as a total installation, a choral narrative addressing individual and collective memory, entwining the past with the present, urging unattended promises, recombining history with each individual’s life.

"Autoretrato" Alexander Von Humboldt, 1815 / "Retrato Humboldt_2.0" por Gonzalo Vargas E, 2012.

HUMBOLDT es un trabajo multimedial en proceso basado en las algunas estrategias discursivas de los viajeros científicos del siglo 19 como: la caminata, el mapeo, el diario de campo, el inventario, las notas, la correspondencia…

tomando como pretexto el viaje a américa de alexander von humboldt, 2.0 genera maneras ficionadas / ficionales en versiones (tantas como sean posibles) que interpelan el “universo” discursivo del “enciclopedismo” y la “ilustración”.

la figura del viajero más allá de su mitología o relato individual, más allá de la condición de autor, como lugar donde las relaciones entre conocimiento y poder se hacen visibles por sí mismas.

instalación video multicanal / dvd / proyección / sonido / 14 minutos

fabiano kueva se traviste de viajero, recorre montañas, selvas, playas, mares… da cuenta y sentido de estos tránsitos con secuencias de imagenes en video simultáneas, paisajes sonoros y narraciones (propias o basadas en la correspondencia de humboldt, extractos de escritos de walter mignolo, silvia rivera cusicanqui o peter handke) con una simple premisa: el que nombra no es el que habita, sino el que viaja.

Cine con los CCTV. Nuevos espacios de la videovigilancia en el Arte Contemporáneo.
(Foto de cubierta: Faceless, de Manu Luksch, 2007)

En la actualidad nos encontramos ante una situación en la que el ser humano está sometido a numerosas normativas de control y poder sobre el cuerpo, implantadas por los gobiernos de las ciudades neoliberales. El espacio urbano se ha convertido en un paisaje panóptico de observación de la vida real debido a la proliferación de cámaras de vigilancia implantadas en las ciudades. Pronto una serie de artistas comenzaron a trabajar con una serie de dispositivos de videovigilancia como herramienta tecnológica para resolver sus proyectos videográficos, este es el caso de Funda que se realizó en el año 1966, esta pieza mostraba fragmentos unidos de imágenes que habían sido grabadas con cámaras espía en un espacio monitorizado a través de un circuito cerrado de televisión (CCTV), en ellas se mostraba al público que acudía al espacio expositivo. En el siglo XXI encontramos también a una serie de artistas que están manifestando su interés por el uso de los conceptos relacionados con el control y la vigilancia utilizando como herramientas los actuales sistemas que nos proporcionan las tecnologías de control social para la realización de sus videocreaciones, este es el caso de Luis André en Kutxa Beltza, 1997, Manu Luksch en Faceless, 2007, o como el ejemplo de los trabajos de los MediaShed en sus Video Sniffin.

Harun Farocki, artista de origen alemán, cuenta con una amplia trayectoria en el ámbito cinematográfico, del videoarte y de la crítica de cine. A lo largo de cinco décadas de creación ininterrumpida, ha buscado trazar un punto de vista crítico desde y sobre el cine que establece un cuestionamiento de político, no solamente en términos temáticos, sino en la reflexión sobre el medio y toda clase de aparatos de visión. Su obra plantea una investigación constante sobre las condiciones de producción de la imagen audiovisual, los recursos visuales y narrativos, y los subtextos inscritos en la producción y emisión de imágenes en movimiento.

DOMESTIC TENSION, 2007, performance in which the artist spent 31 days under fire from a paintball gun that participants could control online.

Paulo Bruscky/Daniel Santiago

Untitled (Today Art is the Communiqué), 1990, collage and stamp on envelope, 4 9/10 × 7 inches.
ASB Mapping is at the base of your work with mail art, but you’ve also spoken about the fact that in countries under military regimes, mail-art exchanges protected individuals who were being persecuted by the government. They formed part of a network of communication with international reach.

Paulo Bruscky, Brazil, Torture Never More, 1988, collage and paint on board, 11 ³⁄₅ x 16 ⁷⁄₁₀ inches.

ASB It’s an important work that functioned on various levels. You appropriated an official format, the inauguration of a public work, which obviously pointed to the military situation. But on another level, it also alluded to a purely linguistic convention having to do with the ritualistic force of language in naming locations and events.

"FLUXUS THERE LIVES" - Russia
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La primera manifestación colectiva “Fluxus Internationale Festspiele” tuvo lugar en Wiesbaden en septiembre de 1962. Ahí, artistas y corrientes contemporáneas se desarrollaron prácticamente de la mano. Dentro de sus mayores exponentes se encuentra Nam June Paik, John Cage, George Maciunas, Ray Johnson, Allen Buckoff y Wolf Vostell, entre otros.

La red de arte postal es afortunada por estar compuesta de un grupo de participantes que, de manera desinteresada, se entregan a la red ampliándola. Los editores de revistas de arte postal como Daniel Plunkett, ND, (Austin), Francois Dunivier, Metro Riquet, (Paris), Dobricia Kamperelic, Open World, (Belgrado), Vittore Baroni, Arte Postale!, (Italia), Gilbretto Prado, Wellcomet Bulletin, (Sao Paulo), Anna Banana, Banana Rag, (Vancouver), Daniel Daligand, Le Timbre, (Paris), Joki Mail Art, Smile, (Minden, Alemania del Este), Shigeru Nakayama, Shigeru Magazine, (Kyoto), Shozo Shimamoto, AU, (Nishinomiya, Japón), Lloyd Dunn, Yawn, (Iowa City), Judith Hoffberg, Umbrella y Eamonn Robbins, Mail Art Portraits, (Dublín), entre muchos otros, difunden las palabras de otros e informan sobre la corriente, siempre en movimiento, de la red.

El arte correo comenzó a incorporar medios de producción del arte marginal bajo su bandera. A parte de libros de artistas y publicaciones, se incluyeron sellos de caucho, sellos de correos, arte por fotocopia (Xerox), acciones, video, audio, poesía visual y ordenadores.
La creación de sellos de correos, que comenzaron a realizarse por Fluxus y los Nuevos Realistas así como por participantes en la New York Correspondance School of Art, se presentaron como un medio para los artistas en la exposición "Artist Stamps and Stamp Images" -"Sellos de Artistas e Imágenes de Sellos"- dirigida por James Warren Felter en la Universidad Simon Fraser de Burnaby, Canada, 1974. Treinta y cinco artistas de nueve países participaron en esta exposición, pionera de lo que se convertiría, cada vez más, en un importante género del arte correo.

Cuando la cirugía se completó quedó plasmada su propia representación artística y histórica. La barbilla de la Diosa Venus de Botticelli, la frente de la Mona Lisa de Leonardo, la boca de Rape of Europa de Boucher, los ojos de Pysche Gerome y la nariz de una escultura de Diana, una antigua Diosa romana de la luna, la caza y la castidad.

Según Orlan, eligió estos personajes no por los cánones de belleza que representan, sino por las historia y la mitología que vienen asociadas a ellas.

Las operaciones son coreografiadas y escenificadas por la propia artista. Paco Rabanne diseñó su vestimenta para su primera intervención quirurgica que fue acompañada de música y poesía así como crucifijos, frutas y flores de plástico que fueron esterilizados previamente antes de decorar la sala de operaciones.

Pandrogeny, o la fusión de dos cuerpos en uno solo. Utilizaban sus cuerpos como lienzos, sometiéndose a operaciones de cirugía estética hasta que el rostro de una fuera la viva imagen de la otra. Se pusieron implantes de pecho idénticos, les moldearon la nariz y los pómulos de la misma forma y se sometieron a una liposucción para parecer gemelas idénticas. Desde que en 2007 Lady Jane “dejara su cuerpo” (muriera), Genesis han continuado su proceso de transformación.

“BY CHANGING THE BODY DNA WOULD GIVE US, WE SAY WE DENY YOUR RECORDING, YOUR CONTROL PROGRAMME”.

El icono Microvenus y su codificación en ADN. Nótese que su traducción gráfica a código binario se realiza en un panel de 5×7, ambos números primos. Imagen de Joe Davis / JSTOR Art Journal.

Empleando este sistema, los científicos codificaron dos textos, la versión en latín del Pacto Federal de 1291 que daba forma a la primera confederación suiza, y la traducción inglesa de El Método de los teoremas mecánicos perteneciente al Palimpsesto de Arquímedes. Tras la síntesis del ADN codificado, su encapsulación en sílice y el tratamiento térmico, los investigadores encontraron cierto grado de degradación del ADN, pero los códigos Reed-Solomon funcionaron a la perfección para corregir los errores

COLECTIVO SIN BIOTICA.

Tissue Culture&Art Project. ‘Victimless leather’. Symbiotica, 2004

a Universidad de Australia Oeste (UWA), en Perth. Desde entonces, Symbiotica ha ofrecido residencias a artistas de todo el mundo poniendo a su disposición un laboratorio de investigación biotecnológica bien equipado y la experiencia de científicos e investigadores que apoyan la iniciativa. Representa una oportunidad excepcional, aprovechada por el artista australiano Stelarc, entre otros, quien creó en este laboratorio la tercera oreja que ahora exhibe con orgullo en su antebrazo. Gracias a las oportunidades ofrecidas por Symbiotica, Cattas -quien, junto con otros artistas ha estado trabajando en el Proyecto Tissue Culture&Art desde 1996- ha logrado crear instalaciones fascinantes que exploran el potencial y los problemas implicados en la ingeniería tisular. Por ejemplo, Victimless Leather (2004) es una chaqueta de cuero en miniatura que ‘vive’ dentro de un biorreactor. La obra es una reacción al bárbaro uso de pieles de animales para fabricar ropa, algo para lo que la ingeniería tisular podría ofrecer una alternativa.

Eduardo Kac, GFP Bunny, 2000.
Transgenic artwork.

Eduardo Kac was born in 1962 in Rio de Janeiro (Brazil). In the early eighties, he cultivated a career in performance art, presenting a series of weekly public performances. One such event took place in 1982 on Ipanema Beach during the 60th anniversary of Brazil's Week of Modern Art of 1922